Интервью с художником Сергеем Сапожниковым

Сергей Сапожников — художник, чья практика объединяет фотографию, инсталляцию и сценографию. Его работы — это, прежде всего, диалог с пространством, памятью, телесностью и перформативностью.

Женя: Сергей, в ваших работах вы часто обращаетесь к темам памяти, разрушения и времени. Почему именно эти линии становятся для вас точками опоры?

Сергей: Фотография по своей природе связана с памятью и осмыслением времени. Она фиксирует мгновение и позволяет почувствовать дистанцию, отделяющую нас от зафиксированного события. В случае городской среды снимок способен становиться выражением целой эпохи. Например, многие места в моём родном Ростове-на-Дону, которые я когда-то фотографировал, сегодня уже утрачены. Они снесены. Поэтому для меня важно сохранять эти образы.

Со временем фотография формирует особый взгляд на прошлое и делает очевидной истинную ценность прожитого момента, тогда как в настоящем мы часто этого не осознаём. Спустя десятилетия — тридцать, пятьдесят или даже сто лет на снимках начинают читаться приметы эпохи: дизайн, одежда, предметы быта, архитектура интерьеров. Через эти изображения мы ощущаем, как всё меняется и трансформируется, что сохраняется в истории, а что исчезает. Мои городские фотографии во многом посвящены тому, что постепенно исчезает и сохраняется лишь в памяти. Фотография даёт таким объектам возможность своего рода бессмертия.

Женя: Важна ли материальность в искусстве и как изображение может стать опытом?

Сергей: Безусловно, материальное качество изображения столь же значимо, как и сама техника съёмки. Его основная функция проявляется в том, как оно воспринимается зрителем в физическом воплощении: не в сети, не как файл на компьютере, а именно в материальной форме, напечатанное в масштабе, с конкретным оформлением и подачей. В таком виде изображение становится полноценным опытом и для художника, и для зрителя.

Женя: Как вам кажется, фотография развивается или мы лишь по-разному интерпретируем уже существующее?

Сергей: Конечно, фотография развивается. Странно было бы думать иначе. Каждые несколько лет появляются новые камеры, открывающие принципиально иные возможности. Например, недавно вышла Leica M11 Monochrom — техника, которой раньше просто не существовало. Мы действительно находимся на пороге новой, совершенно иной действительности, связанной с техническими решениями.

Leica выпускает объективы APO: сначала 50 мм (ещё десять лет назад) теперь 35 мм. Их постоянно совершенствуют: и по разрешающей способности, и по характеру изображения. Это действительно впечатляет. Поэтому говорить, что фотография осталась в прошлом, я бы точно не стал.

Для меня прошлое связано с плёночной фотографией. Её время закончилось, и большого смысла заниматься ей сегодня я не вижу. А вот цифровая фотография развивается огромными шагами и открывает всё новые возможности.

Женя: Если вернуться к вопросу о воплощении снимка в физической форме, можно предположить, что вы не согласны с концептуалистами, которые, работая с фотографией, утверждали, что идея важнее визуальной формы и что произведение искусства может существовать в тексте, иной структуре или вовсе без материального воплощения.

Сергей: Я не концептуалист — это совершенно иной опыт. Тем не менее многие художники этого направления работали с фотографией на очень высоком уровне. Важно учитывать, что концептуализм формировался в аналоговую эпоху, когда цифровых технологий ещё не существовало и любительская фотография практически не печаталась. Поэтому работа с образом и его материальной фиксацией имела иной контекст: тот зритель воспринимал фотографию не как поток в социальных сетях, а как редкий артефакт.

Женя: Существует ли для вас внутренняя формула или критерий, позволяющий определить, что является искусством, а что нет? Для вас искусство — это процесс, объект, действие или, скорее, отношение?

Сергей: Для меня это всё вместе. Искусство не существует вне контекста: это опыт, история, определённый пласт культуры, который автор, будь то я или кто-то другой, транслирует через своё произведение. Если этого элемента нет, работа теряет определённую цель. Не менее важен уровень мастерства художника: насколько выразительно используется материал, какова техника и метод исполнения.
Важным является и взаимодействие произведения с аудиторией. Восприятие и интерпретация зрителя создают полный смысл работы. Таким образом, искусство формируется на пересечении объекта, действия, процесса и отношений, и именно это сочетание определяет его ценность и глубину.

Женя: Вы давно преподаёте. Что привлекло вас в преподавательской деятельности?

Сергей: Для меня важно делиться собственным опытом. Преподавание, прежде всего даёт возможность по-новому осмыслить художественную практику и проанализировать собственные методы и подходы. Не менее значима обратная связь: студенты стимулируют меня к новым размышлениям.

Однако я считаю принципиально важным, чтобы студенты самостоятельно формулировали круг интересующих их тем. Такой подход помогает им развивать собственный визуальный голос. Ценность художественной практики, на мой взгляд, заключается в искренности и в готовности автора открыто делиться результатами своих поисков.

Женя: Какие моменты в преподавании вы считаете самыми важными?

Сергей: Прежде всего это практическая работа. Студентам необходимо активно снимать, поскольку именно регулярная практика и её объём формируют навык и позволяют работать осознанно.

Женя: Какая модель художественного образования представляется вам наиболее эффективной в современных условиях?

Сергей: Этот вопрос достаточно сложен, поскольку модели художественного образования могут быть разнообразными. В моём опыте наиболее интересной представляется модель, основанная на взаимодействии теоретической и практической составляющих. Так, в нашей мастерской с Марго Овчаренко теоретическую часть ведёт Марго, а практическую — я. Совмещение этих подходов создаёт плодотворное пространство для действий: каждый преподаватель предлагает свой взгляд на материал, а студент, находясь на пересечении теории и практики, самостоятельно формирует траекторию обучения, черпая идеи из обоих источников и вырабатывая собственное понимание и позицию. По моему мнению, именно такой подход обеспечивает наибольшую вовлечённость студентов и эффективность образовательного процесса.

Женя: Какие основные темы и практики обязательно должны войти в программу вашего курса с Марго?

Сергей: Я хотел бы работать с городской средой как способом развить разносторонний взгляд и умение замечать возможности вокруг. Мне интересны прогулки, на которых студенты самостоятельно находят интересные сюжеты.

Однако такой подход подходит не всем. Можно работать и в студии со светом. Многое зависит от запросов и интересов студентов. У каждого разный опыт, поэтому во многом именно студенты будут определять формат работы.

Практика должна строиться на взаимодействии и соответствовать общим запросам. Важен диалог. Прежде всего, имеет значение внутреннее намерение самого студента снимать о чём-то своём. Если этого нет, работа просто теряет смысл.

Женя: Будет ли курс больше сфокусирован на технических навыках или на развитии художественного мышления, композиции и работе с пространством?

Сергей: Техническую сторону мы пройдём довольно быстро. Основное внимание будет уделено поиску взгляда, работе с композицией и изучению нюансов, которые помогают развивать художественное мышление и восприятие пространства.

Женя: Какую роль в вашем курсе будет играть коллективная работа и критика?

Сергей: Коллективная работа и критика будут играть важную роль. Они позволяют студентам сравнивать свои наблюдения и видеть, как это работает в группе. Например, если проходит совместная прогулка и каждый что-то снимает, а затем все обсуждают работы, студенты оказываются в равных условиях. Они видят, как каждый индивидуально отличается друг от друга. И это, на мой взгляд, самое главное.

Женя: То есть важно показывать свои проекты на стадии их создания именно в близком кругу?

Сергей: Безусловно. Студенты должны получить обширную практику и многое понять на собственном опыте.
Например, выбор финальных снимков для дальнейшей работы особенно важен. Студенты могут сделать тысячу кадров, но одной из задач будет выбрать, скажем, сто лучших и объяснить, почему именно эти работы выделены, исходя из личной практики каждого. Для меня это одна из главных целей курса: научить студентов подбирать сильные кадры и осознанно оценивать собственную работу.

Женя: Есть ли у вас какое-то напутствие для тех, кто интересуется фотографией и хотел бы развиваться как художник?

Сергей: Главное — снимать очень много.